Tra la dimensione performativa delle arti visive e il rigore dell’indagine documentaria, il cinema di Irene Dionisio si muove da sempre al confine tra sperimentazione e narrazione. Presentato alla 49ª edizione del Festival du Film Italien de Villerupt (23 ottobre – 8 novembre 2026) all’interno della Sezione in Competizione per l’Amilcar del Jury e il Prix de la Critique, Idda (2026, 89 min) segna il ritorno della regista torinese alla finzione.

Al centro del film vi è il ricongiungimento tra Adele e Safia (interpretate da Tecla Insolia e Romana Maggiora Vergano), due trentenni che intraprendono l’ascesa al vulcano Etna — Idda, “Lei” in siciliano — per dare corpo a un vecchio progetto e ritrovare un senso di connessione. L’ambiente naturale smette presto di essere semplice scenario per trasformarsi in una presenza drammaturgica attiva e vibrante, capace di mettere a nudo conflitti interni e non detti. Abbiamo incontrato Irene Dionisio a Villerupt per analizzare l’architettura visiva, il ritmo del montaggio e la metodologia di lavoro con le attrici sul set.

In Idda, il paesaggio e il territorio non sono meri sfondi ma entità narrative. In che modo la tua formazione artistica e visiva ha guidato la trasposizione simbolica di questo spazio?

Mi interessava riuscire a raccontare, attraverso la natura, la sensazione che la nostra vita e il nostro destino non appartengano solo alle relazioni con gli altri, ma anche a ciò che accade attorno a noi. Questo “qualcosa” che ci circonda, e che in qualche modo rimane invisibile, poteva essere restituito proprio attraverso il luogo naturale. Ho cercato quindi di rendere lo spazio naturale un’entità viva e sensoriale.

In questo processo mi ha guidato il mio percorso nelle arti visive, ma è stato fondamentale il lavoro tecnico condiviso: sia sul piano della fotografia, curata da Gárghi Poarnoc, sia su quello del suono. Abbiamo lavorato con cura sulla sonorizzazione in presa diretta, sul sound design e sul mixaggio in 5.1 per restituire la voce e il respiro stesso del paesaggio.

La tua carriera spazia tra arti visive, ricerca documentaria e cinema di finzione. Come dialogano queste differenti matrici espressive nella genesi e nella forma di Idda?

Per me era essenziale coniugare i diversi linguaggi che hanno formato il mio percorso. Sono partita dal documentario — ne ho diretti due o tre prima di approdare alla finzione — e ho lavorato a lungo nell’arte contemporanea. In Idda queste matrici si fondono: da un lato c’è una rigorosa ricerca documentaria sul campo, con una sceneggiatura continuamente riscritta a partire dall’impatto reale con il territorio; dall’altro c’è il desiderio di far parlare l’immagine oltre le strutture narrative convenzionali e codificate, cercando vie più sperimentali.

A tutto questo si unisce poi il lavoro sul cinema di finzione e sulla direzione degli interpreti. In questo film ho lavorato con attrici professioniste straordinarie e sono felice di come questi diversi elementi espressivi abbiano trovato un equilibrio organico.

Come hai lavorato sul ritmo del montaggio e sulla dilatazione o contrazione del tempo per far emergere la sottile tensione emotiva del film?

Ho firmato il montaggio insieme ad Alie Nervé, che aveva già montato il mio primo film ed è una cara amica oltre che una montatrice di grande talento. Al montaggio abbiamo cercato un doppio binario temporale: da un lato dovevamo restituire la progressione ritmica delle tappe del viaggio senza far perdere allo spettatore la tensione verso il finale; dall’altro volevamo preservare all’interno delle singole scene uno spazio intimo fatto di attese, silenzi e sguardi tra le due protagoniste.

Volevamo che il tempo del destino che incombe e il tempo lento o improvvisamente rapido delle relazioni umane trovassero una loro naturalezza reciproca. Il montaggio è stato a tutti gli effetti una riscrittura fondamentale dell’opera.

Dai riconoscimenti internazionali ai festival di settore, come hanno influenzato questi apprezzamenti la tua autonomia di ricerca e la costruzione del tuo percorso cinematografico?

Credo che si lavori bene soprattutto quando ci si sottrae allo sguardo esterno. Un film deve parlare in primo luogo al regista e nascere da un’intenzione autentica; il confronto con il pubblico è un passaggio successivo che non si può pianificare a tavolino.

Fare un film significa intraprendere un percorso lungo e complesso con se stessi e con una squadra di lavoro, un processo che rimane nel tempo. Per quanto mi riguarda, l’unica strada percorribile è quella che parte da un’esigenza personale sincera: tutto il resto non dipende da noi.

Quale processo meta-registico attui sul set per guidare gli interpreti a scendere nei livelli più intimi e non detti delle loro figure drammatiche?

Su questo film ho scelto di riscrivere il testo insieme alle attrici. Quando individuo la persona giusta per un personaggio, cerco di far sì che il personaggio stesso si modelli sulla sensibilità dell’interprete, chiedendole di portare nel ruolo il proprio vissuto. Con Tecla Insolia e Romana Maggiora Vergano abbiamo lavorato in questa direzione, modificando anche alcune parti di sceneggiatura.

Sul set non impongo schemi rigidi: condivido l’emozione della scena. Spiego cosa sento in quel momento e chiedo loro di orientare la propria emotività verso quella direzione. Preferisco costruire una coreografia d’azione in cui le attrici possano muoversi e interagire con reale libertà.

Guardando alla tua evoluzione dalle prime opere e dalle installazioni fino a questo film, quale ritenete sia oggi il compito primario dell’immagine cinematografica di fronte alle trasformazioni del reale?

Viviamo un momento di forte crisi diffusa, una vera policrisi, e fare cinema comporta una responsabilità precisa. Questa responsabilità si traduce nella ricerca di autenticità e connessione con la realtà.

Con Idda ho voluto dare forma al processo di rielaborazione di un dolore profondo, che ritengo sia uno degli snodi centrali dell’esperienza umana. Più che un’operazione teorica, per me è stato un gesto di natura quasi spirituale: il tentativo di condividere e comunicare un’esperienza interiore reale.

Elisa Cutullè

FOTO: Irene Dionisio ©FX photo